Государственный академический симфонический оркестр имени Евгения Светланова

04/12/2022 - 04:22   Classic   Концерты
Надо же, два солиста-пианиста из абонемента «Звёзды XXI века» выбрали для своих бисов пьесы Роберта Шумана из цикла «Лесные сцены».

ГАСО им. Е. Ф. Светланова – Дирижёр Антон Шабуров.
Бетховен – Увертюра к балету «Творения Прометея»,
Концерт № 5 для ф-но с оркестром (Копачевский, бис Шуман «Вещая птица» из «Лесных сцен»;
Брамс – Концерт № 1 для ф-но с оркестром (Фаворин, бис Шуман –«Прощание» из «Лесных сцен»).
КЗЧ, 18.11.2022

А слова Шумана должно процитировать тоже не случайно. А именно: «Я знал … и надеялся, что грядёт Он, тот, кто призван стать идеальным выразителем времени, тот, чьё мастерство не проклёвывается из земли робкими ростками, сразу расцветает пышным цветом. И он явился, юноша светлый, у колыбели которого стояли Грации и Герои. Его имя – Иоганнес Брамс».

Филипп Копачевский
Филипп Копачевский

Эти молодые музыканты хорошо известны. Это Филипп Копачевский (Пятый фортепианный концерт Бетховена) и Юрий Фаворин (Первый Брамса). А вот дирижёр появился на столичном подиуме совсем недавно. Появился, мгновенно вызвав к себе очень мощный интерес, который растёт с каждым его новым выступлением. И нам должно сразу запомнить его имя – Антон Шабуров.

Антон Шабуров
Антон Шабуров

Программа концерта в КЗЧ 18 ноября 2022 г. была крайне трудна и столь же привлекательна – два фантастических, по сути (так писала мировая пресса) своеобразные симфонии для фортепиано с оркестром. И сразу скажу, это была огромная радость для зала, переполненного абсолютно восторженными слушателями-зрителями. Оркестр был просто удивительный: он органично звучал, убедительно и умно «разговаривал» с солистами. То был, скажем более точно, не аккомпанемент, а подлинный диалог, в котором основополагающий тон, темп, рисунок задавал маэстро, а оба пианиста – каждый в общем-то по своему (как того требовала музыка) вели этот эмоциональный и очень глубокий разговор. Он изначально был предложен им авторами, великими классиками, и подтверждённый поразительным (повторю!) умницей Шабуровым. Правда, не надо забывать и о том, что это путешествие в классику было предварено очень интересным решением увертюры Бетховена к балету «Творения Прометея». (Автору едва исполнился 31 год, когда в Вене состоялась премьера этой яркой пьесы). А уже год спустя началась работа (она продлилась 10 лет) над Четвёртым и Пятым фортепианными концертами. А также скрипичным концертом.

Бетховен закончил его в 1809 году. Он был в самом расцвете творческих сил и исканий, но уже трагически подступала глухота. Бетховен сам признавался, что «хотел (с детства) осмыслить то лучшее и мудрое, что создано каждой эпохой». «Яркое драматическое содержание», «Бурю и натиск» - это с большой убедительностью и великолепным техническим аппаратом показал Филипп Копачевский. Хотя не могу не заметить, насколько порой он настолько увлекался, что несколько «забалтывался», но это получалось у него обаятельно, необычно. Мне кажется, всё-таки это спорно, но при этом подкупал убедительный перепад настроений, размышлительность, задумчивость. А вдруг неожиданное почти остервенение, страх, некая скорбная внутренняя теплота, внутренний надлом. Но при всём «разговор» был в целом очень хорош. Особенно во второй части концерта. Динамические оттенки и сложные ритмические фигуры у Шабурова были крайне интересны. А оркестровые группы-голоса звучали отлично и «вспыхивали» уникально виртуозно. Что, впрочем, понятно, когда речь идёт о таком оркестре и дирижёре. Хочется особо отметить звучание всех струнных групп – какое-то особенно красивое и непривычно востребованное «разговором».

Юрий Фаворин
Юрий Фаворин

Что касается Брамса, то не могу не сказать: оркестр классный, солист классный и дирижёр первоклассный. Опять-таки, может, даже в большей степени, чем в Бетховене, здесь был продолжен диалог оркестра с солистом. Юрий Фаворин, на мой взгляд, был практически безупречен в своем исполнении этого шедевра раннего Брамса. У него вообще есть обилие касок и эмоций, ему не чужда и героика; он удивительно легко переходит от настроения к настроению, умело «дружит» с группами, часто предпочитая (как на этот раз) струнные. Он как-то особенно «дышит», захватывающе вводит в собственные размышления. У него поёт природа, подкупает негромкая безмятежность, очаровывает сольный эпизод в первой части, искренне радуют убедительные и непростые перепады настроений, динамики, ритмов. Если всё же хоть в чём-то придираться, то вторая часть концерта мне показалась немножко затянутой. Но как хорош финал! Энергичный, стремительный. И есть в нём какая-то «неспешная героика», своеобразная красивая «борзость»…

И опять-таки, что до «диалога», то «переговоры с оркестром» - они просто роскошны, как, впрочем, и весь концерт, вся программа и бисы… Вот ведь как отлично: два объявленных «звездных» пианиста, «новый» дирижёр, хорошо вписавшийся в абонемент про «звёзд». Этот концерт и показал, что это за талантливая молодёжь. Действительно мы услышали трёх звезд… Добрый путь им! Добрый...

Наталья ЛАГИНА

02/12/2022 - 04:21   Classic   Концерты
В лютеранском соборе Петра и Павла, что на Китай-городе, стартовал IX рождественский фестиваль «Адвент». Начали с Мендельсона.

А что такое Феликс Мендельсон? Он родился в Гамбурге, семья переехала в Берлин, предала воззрения деда Мендельсона еврейского философа Мозеса Мендельсона, и приняла лютеранство. Уже с 9 лет Мендельсон начал активную карьеру как пианист и дирижер. В рамках фестиваля «Адвент» сыграли не особо очевидные 5-ю и 2-ю симфонии Мендельсона.

ГАСО им. Светланова
ГАСО им. Светланова

И тут штука в том, что 5-я «Реформационная» симфония была посвящена 300-летию Реформации в Германии, а Мартин Лютер не просто перевел Библию на обычный немецкий язык, но и написал немало текстов, которые использованы у Мендельсона. Несмотря на нумерацию, симфония №5 была дебютной для Мендельсона, и он написал ее всего в 23 года, и это заметно. Для лютеранства 5-я симфония очевидно значима, но с точки зрения музыки симфония заметно сыровата, дроблива, рассыпчата по композиции.

Олег Романенко
Олег Романенко

ГАСО им. Светланова под управлением креативного Олега Романенко был максимально экспрессивен, но играть было почти нечего. Начинается мелодия — и обрывается. Начинается мрак — и оканчивается. Оркестру ничего было спасать. Романенко был снова хорош, но…

Олег Романенко
Олег Романенко

Симфонии разбавили органом, а он в соборе Петра и Павла очень хорош. Первую минорную часть Третьей сонаты для органа соло Мендельсона сыграл титулярный органист папской Базилики в Мадриде Святого Михаила Даниэль Сальвадор. Он был техничен, но очень уж предсказуем. Ну вообще ни одной неожиданной трактовки. Органист хороший, но хорошо бы удивлять хоть чем-то.

Лилия Гайсина
Лилия Гайсина

А вот 2-я симфония Феликса Мендельсона (написанная на 8 лет позднее 5-й) — это признанный шедевр. Известна также как «Хвалебный гимн». Она сложна, она включает в себя кантату (и тут очень пригодился великолепный хор им. Свешникова), тут же орган, и два солирующих сопрано и один тенор (Лилия Гайсина, Михаил Нор и солистка хора Свешникова Гиляна Дорджиева).

Михаил Нор
Михаил Нор

Очевидно, что 2-я симфония куда более отрефлексирована и принята, все ее патетики и пафос уложены в стройное русло. А знаменитым и самым лучшим в России духовым секциям ГАСО (что уж скрывать) есть, чем заняться. Дирижер Олег Романенко был максимально экспрессивен, чтобы вытащить из 2-й симфонии Мендельсона максимум смыслов и эмоций. Он взмок даже гораздо раньше музыкантов. Он нес лютеранские ценности в этой музыке, и в контексте это было даже гораздо важнее.

Фестиваль «Адвент» открылся феноменальным концертом со спорным Мендельсоном. А дальше будет Бах. Кажется, это вызов.

Вадим ПОНОМАРЕВ
Фото: Светлана МАЛЬЦЕВА

11/11/2022 - 06:09   Classic   Концерты
Насчёт счастливой бесконечности – это, разумеется, о классике. И не только. О музыке – не в меньшей мере. О путешествии вглубь человеческой души – то же самое. Короче, она многогранна и мы очень часто имеем возможность убедиться в этом. Так было и на этот раз в Концертном зале им. Чайковского переполненном до такой степени, что словами не передашь.

Государственный академический симфонический оркестр России им. Е.Ф.  Светланова (без дирижёра)
А. Хачатурян – Концерт для фортепиано с оркестром; Сюита из балета «Гаяне»; М. Равель – Концерт № 2 для фортепиано с оркестром (для левой руки). Солист Борис Березовский. Болеро.
Концертный зал им. П.И. Чайковского, 30.10.2022.

Впрочем, так бывает всегда, когда играет выдающийся пианист Борис Березовский (который ещё и часто играет без дирижёра, как и на этот раз). На сей раз ещё и программа концерта была удивительно разнообразна и привлекательна. Два великих представителя европейской музыки – Арам Хачатурян и Морис Равель были представлены в лучших своих созданиях, которые нашли талантливого исполнителя в лице Березовского.

Действительно, что может быть контрастнее в сравнении с уникальным Равелем и не менее уникальным Хачатуряном?! Кто?... Не будем вдаваться в сравнения, обратимся к самому концерту.

Борис Березовский
Борис Березовский

...Хачатуряну было 34 года, когда он написал свой концерт и посвятил его прекрасному пианисту Льву Оборину. И вот он звучит сегодня. Со всем своим уникальным обаянием, прекрасным дыханием Востока. Березовскому вообще присуще постоянно энергичное, яркое, сверкающее движение в ведении и раскрытии очень красивой песенной темы, которую хочется слышать и слышать. Уже начальное tutti в нарядном совершенном пианизме музыканта выводит оркестр на виртуозный пассаж. А когда появляется побочная тема, когда (условно говоря) оркестр стремится (гонится?) за солистом, раздался праздничный удар барабана, - красота оркестра под «умными» пальцами солиста обрела не просто упрямое, точное место, но уступила место чему-то пасторальному, несколько нервному, вспыхнул яркий фольклорный элемент, - красота, да и только, молодец Березовский! Весь концерт очень красив и фольклорен, но не могу не сказать о том, что самое глубокое и обаятельное впечатление оставляет Andante con anima – вторая часть, грустноватая, задумчивая. Тут пианист особенно интересен и по-своему нов (мы привыкли к стремительному движению его рук по клавиатуре). Очень дружны, органичны с пианистом все струнные группы, которые оставляют лучшее впечатление при звучании «Танца девушек» и «Пробуждение и танца Айши» и «Гаяне». К сожалению, сюита из «Гаянэ» вызвала и досаду. Знаменитый «Танец с саблями» и не менее знаменитая «Лезгинка» прозвучали как-то грубо, и так немыслим громко, что, как говорится, ни в сказке сказать, ни пером написать. Но опять таки, любопытно: если в первом отделении грохот в «Лезгинке» стоял просто немыслимый, то когда после всей программы «Лезгинка», прозвучавшая на бис в исполнении солиста-ударника Владимира Терехова была превосходна и вызвала поистине сумасшедшую овацию. Что же касается ещё Хачатуряна, то в прочтении концерта можно было бы отметить некоторые неудачные и сорные элементы, несовершенные оркестровые звучания. Но я не стану этого делать, потому что, понятно, играть без дирижёра совсем непросто, а досадные помехи легко устранимы.

Зато Равель был прекрасен и у оркестра, и у солиста, и у «барабанщика». Леворучный концерт Равеля поразительно красив и поразительно труден для исполнителя. Нужен какой-то сильный, виртуозный пианизм, а этим с лихвой обладает Борис Березовский. Особенно подкупают своеобразные «морозные», далёкие и загадочные, чем-то напоминающие даже о пурге эпизоды, душевные переживaния в «прочтении» «тревожных» виолончелей. И после этого «начала» оркестра вступает задумчивая, с грустинкой, и серьезным эмоционально-философским размышлением тема с по-настоящему талантливым «руководством» оркестровых «рук». И сразу же возникает желание сказать справедливо: «Как много может сделать одна левая рука!» А марш в стиле первой части Седьмой симфонии Шостаковича? А негромкий голос арфы поддержанный струнными (особенно виолончелями?) Такая дивная музыка!

Апофеозом отличного концерта светлановцев стало «Болеро», которое всегда идёт на буквально шальном интересе и гигантском успехе, сколько бы его ни играли. Конечно, великая пьеса совсем не из лёгких, и для оркестров почти всегда становится своеобразным экзаменом на мастерство. Так и в этом исполнении, в зале Чайковского. Правда, в самом начале прославленной пьесы был случайный «всхлип» валторны, которая позже, в пятом прохождении крупно (слава Богу, недолго!) «ошиблась» (назовём это так). А к оркестру нельзя не предъявить претензии в том, что он порой звучал слишком громко. Главная тема, как и написано в партитуре, прозвучала (чётко и емко размеренно) в ходе произведения восемь раз, но нередко хотелось попросить, чтобы играли чуть потише, но…

Надо отдельно с лучшими словами похвалы сказать о солисте «Болеро» - ударнике Владимире Терехове, том самом кто в бисе реабилитировал «Лезгинку» Хачатуряна. Исполнение Терехова было блестящим, иного слова и не подберешь. Да и надо ли подбирать? Надо радоваться, что классическая музыка так бесконечно прекрасна. Прекрасна как мир…

Наталья ЛАГИНА

07/10/2022 - 03:05   Classic   Концерты
Прежде чем говорить об этой удивительно яркой программе, мне хочется напомнить (потому как мало кто об этом знает) о том, как искалось эффектное и точное название основной темы программы («Вальс» Мориса Равеля). А это было довольно примечательно.

Что именно? А вот что. По сути вся произведения, составляющие программу, так или иначе, были созданы в преддверии или в начале Первой мировой войны. И кто-то из восторженных слушателей-профессионалов на премьере произнёс, а за ним стали произносить многие: «Это очень необычная, но, бесспорно блестящая пьеса. Я бы назвал её «Танец на вулкане».

Автору этой рецензии упомянутое название много лет назад подарила видная советская музыковед Светлана Виноградова, которая вела в Московской филармонии концерты для детей. Я была среди этих детей и запомнила это, в самом деле, эффектное название пьесы Равеля – одного из самых замечательных композиторов Франции первой половины ХХ века… И вот сейчас те слова вернулись, обретя множественное число «Танцы на вулкане». Почему так? Сейчас обратимся к программе, прозвучавшей в концертном зале «Зарядье» 28 сентября 2022 года, и всё станет понятно.

ГАСО им. Е. Светланова. Дирижёр Д. Юровский

Форе – Сюита из музыки к драме Метерлинка «Пеллеас и Мелизанда»;
Пуленк – «Gloria» для сопрано, хора и оркестра – Л. Петрова, «Мастера хорового пения»;
Дебюсси – Четыре симфонических фрагмента из музыки к мистерии Д’Аннунцио «Мученичество святого Себастьяна»;
Равель «Вальс», хореографическая поэма для оркестра»

Комментарии Дм. Юровского.

Перед вступлением музыки надо привести ещё одну цитату, принадлежащую Дмитрию Юровскому в его комментариях:

«Произведения, которые мы представим, заметно отличаются друг от друга, неся на себе отпечаток личности их авторов, написаны для разных составов, включающих и симфонический оркестр, человеческие голоса. Но есть одна примета, объединяющая их в гармоническое целое, и примета это – изысканная театрализованность сюжетов».

Дмитрий Юровский
Дмитрий Юровский

А теперь первая пьеса, вернее сюита Габриэля Форе из музыки к драме Мориса Метерлинка «Пеллеас и Мелизанда». К этой пьесе обращались несколько выдающихся французских композиторов, самое знаменитое было в опере Клода Дебюсси. Но тут у Форе возникла неожиданная жанровая связь с балетом. С балетом, впрочем, как говорил дирижёр во вступительном слове, связана вся программа. Сюита Форе – это балет, поставленный Джорджем Баланчиным в знаменитых «Драгоценностях» под титлом «Изумруды». Они и сейчас очень популярны. Мало сказать «популярны» ‑ они ошеломительно хороши, ослепительно красивы, их невероятно трудно представить обычными словами: нужны какие-то особенные. И оркестр с талантливым маэстро нашел именно те самые, которые нужны. Слова, вернее музыкальные темы, необычные внутреннюю и внешнюю театральность, особенную слаженность, динамические повороты, вокальную красоту. И, более того, так гармонично звучат все оркестровые группы, что зритель уже переполнен этой поразительной музыкой.

Все участники концерта
Все участники концерта

В шести её частях трудно назвать лучшую, ибо лучшие все. Но лично мне ближе вторая и пятая части. В предыдущих отзывах о новейших выступлениях Светлановского оркестра я уже писала о прекрасной нынешней инструментальной, вокальной, ритмической форме ГАСО. Об идеальном изяществе и элегантности звукописи. Подкупает импрессионистическое звучание, родственное, например, Клоду Моне. Оркестр очень радует своим прочтением весьма непростой именно импрессионистической и постромантической музыки, где захватывает и разность оркестрового языка, и крайне интересная лирическая динамика движения музыки. Кстати, это качество освещало всю конкретную программу, где звучит и душевное тепло, и озорство, и танец, и яркий напев, и величавость поступи, и грусть, сменяющая веселье, и наоборот (в данном случае я имею в виду «Gloria» Франсиса Пуленка). В ней особенно хороши кружевные струнные и не только они. Например, грустноватые (а то и трагические) другие поющие группы оркестра.

Очень увлекает почти ангельское четвертое явление мелодии, нерва и чувства, вводящее в исполнение женский голос – ослепительное, прозрачное, редкого обаяния высокое сопрано. Очень хороша у Любови Петровой её вокальная партия, которая так органично и тоже (простите!) ангельски сливается с хором, который, как всегда у Канторовича звучит прекрасно. Пение образное, актерское, элегантное в своём импрессионистическом прочтении напоминающее не только Клода Моне, но и Сислея, и Утрилло, и даже Ван Гога…

Любовь Петрова
Любовь Петрова

Неожиданное, но сильное впечатление произвели четыре симфонические фрагменты из музыки Клода Дебюсси к мистерии на текст Габриэля Д’Аннунцио «Мученичество святого Себастьяна». Тут, мне кажется, должно говорить о мощи и красоте звучания оркестра исключительно с восклицательными знаками, потому что просто любоваться красотой и изысканностью невозможно…

Мне могут сказать: «Что же, весь концерт был на такой высоте, что восклицательные знаки в большом количестве необходимы?!» «Да!» уверенно отвечу я ( да и весь зал, который не скрывал своего восторга). И добавлю ещё одно восклицание, хотя в нём есть и некоторая спорность. Это касательно того самого «Вальса», т. е. «Танца на вулкане», что дал название рецензии-впечатлению от привлекательности всей отличной программы. А в чём спорность решения? Видите ли, выдающееся сочинение Мориса Равеля написано очень непросто. Именно потому, что действие, так сказать, развивается на «вулкане», оно и по звуковой динамике необычно, и едва ли не fff здесь привычны, однако оркестровые мощности, особенно в самом финале всё-таки, на мой взгляд, излишни, потому что обидно скрывают тонкую оркестровку, кружевную эквилибристику. Конечно, можно и так. А почему бы, собственно, нет! Повторю – ломанные, колючие, фантастические формы массовых фрагментов Равель благословил сам fff. Получилось очень ярко (может, всё-таки чуточку помпезно)… К чему придираться – Дм. Юровский умеет убеждать. И в этой программе ему всё, как всегда, всерьез удалось.

Наталья ЛАГИНА
Фото: Вера ЖУРАВЛЕВА

26/09/2022 - 00:42   Classic   Концерты
Когда с ГАСО им. Е.Ф. Светланова играет Александр Лазарев, зал всегда переполнен. Лазарева любят, и его выступления (каждое) – праздник для меломанов – независимо от того, какая программа предстоит на сей раз.

ГАСО им. Е.Ф. Светланова, дирижёр Александр Лазарев;
солист Александр Рудин (виолончель).

А. Дворжак – Концерт для виолончели с оркестром;
П. Чайковский – «Манфред» - симфония по драматической поэме Дж. Байрона;
Финал Гран-па из балета «Щелкунчик»

А сами программы очень интересны - это уж без всяких сомнений. Маэстро всегда по-настоящему увлечён, когда встаёт за пульт. Кстати, то же самое можно и должно повторить по поводу его нынешнего солиста – виолончелиста Александра Рудина. Вот эти два блистательных Александра открывали второй концерт знаменитого оркестра в этом сезоне, в Концертном зале им. Чайковского. Он заведомо был ярким, зажигательным и очень красивым, потому что другими концерты Лазарева и Рудина просто не бывают.

И какая удивительная пара – Дворжак и Чайковский! Редкостно хороша!...

Александр Рудин и Александр Лазарев
Александр Рудин и Александр Лазарев

Уже самые первые фразы виолончельного концерта – тихие, какие-то необычно шелестящие, приглашающие слушателя к совместному сопереживанию и солюбованию предлагаемой оркестром красотой. Тихое и очень умное малое tutti приводит к грандиозному звучанию – торжественному, утверждающему, как распахнутая высоченная арка в будущее. И повторю, зовущая куда-то в дальнюю даль жизнеутверждающая красавица-мелодия… Это начало. Оно растёт, видоизменяется, постоянно напоминая и первую, и нежную побочную темы первой части Концерта. И вдруг – вступает виолончель, от которой – простите – невозможно оторвать собственное сердце. Так оркестр и виолончель пойдут рядом, играя и общее, и очень своё. И страдая, и радуясь, в поисках чего-то очень важного и личного, борясь с невзгодами, и радуясь открытиям и откровениям. А, главное – отдавая всего себя и всю нервную, прозрачную, а порой и мрачную, ослепительно самопереживательную внутреннюю «песню» ‑ движению мысли и чувства.

К примеру, редкостное эмоциональное чувство, которое привносят в виолончельное соло беспокойные, «взрывчатые» валторны. Так на вдумчивом и глубоком переживании идут рядом, в своей острой и выстраданной, беспокойной красоте и оркестр, и солист, и, разумеется, милостью Божией дирижёр Александр Лазарев.

О Виолончельном концерте Антонина Дворжака можно говорить долго, особенно когда он звучит в таком редкостном ансамбле. Отдельно можно и должно акцентировать идеальное звучание всех оркестровых групп, и почти умилительно (в лучшем смысле слова) замирать на красотах солирующей виолончели, на что Рудин – очень большой мастер, поражаться откровению буквально каждого звука. Проще и справедливее сразу сказать, что оба Александра с прекрасным оркестром, по сути, заново открыл давно знакомое великолепное сочинение, ещё значительнее и справедливее «прикипев» его к нашим сердцам своей душевной красотой, теплотой, неожиданностью, переживаниями и… Да что говорить, когда перед нами подлинный шедевр, подаренный на сей раз «шедевральными» музыкантами!...

Александр Рудин и Александр Лазарев
Александр Рудин и Александр Лазарев

Вторая пьеса программы тоже великое сочинение ‑ симфония Чайковского «Манфред». Если о виолончельном концерте мы замечали, что по объему мысли, философии, симфонизму он приближается к жанру симфонии, то сейчас перед нами подлинная симфония, да ещё столь дефицитная, потому что программная (на сюжет драматической поэмы Джорджа Байрона). Эта программа была мудро подсказана Чайковскому тем же Милием Балакиревым, который подсказал ему сюжет увертюры-фантазии «Ромео и Джульетта».

ГАСО им. Е.Ф. Светланова
ГАСО им. Е.Ф. Светланова

Симфония эта очень значительна и величественна, глубока, горька и радостна, невероятно красива и полна откровений, переживаний, страданий души и сердца. Она полна той потрясающей красотой, в которой потерявший свою любовь Манфред ищет тень любимой, ищет тщетно, страдательно, бродя среди таинства полей и лугов фантастических Альп, спускающегося в тайны мрачного Аида в поисках успокоения. В поисках той красоты, которая должна спасти мир.

Жизнь и страдания, искания и трагические неожиданности этой человеческой жизни – всё это глубоко ранит человека, заставляя душу трепетать в бесконечных поисках покойной отдушины. И всё это, как сказал бы оперный режиссёр Дмитрий Бертман, всё это – музыка! И в этой музыке практически трудно (да и зачем) говорить, что и кто в оркестре был лучше всех, какая музыка (а хороша она была чрезвычайно) звучала как-то особенно. Нет, особенным было всё. Даже (простите мне некую крамолу) обычно неукротимые валторны звучали, как говорится, на самом высоком уровне. Цимбалы, дерзко ворвавшиеся в первую часть вместе со всеми, вроде бы, медными. Лёгкие, полётные, порхающие «птички»… И вновь, и вновь возникающая тема главной части, проходящая через всего «Манфреда» с очаровательными тремоло. И вновь меняются, напоминая друг о друге, темы из всех четырёх частей. А в безмятежной, неожиданно возникшей тишине треугольник вызывает на помощь свой отзвук… И tutti с «Dies Irae»…

Александр Лазарев
Александр Лазарев

Позволю ещё одно полукрамольное замечание сугубо личного характера: до нынешнего концертного вечера я довольно прохладно, «не прицельно» относилось к «Манфреду» Чайковского, более тяготея к тому же названию, но у Берлиоза. Теперь же… Теперь же Александр Николаевич Лазарев помог мне многое понять. И думаю, не только мне. Большое ему спасибо. И не только от меня.

Наталья ЛАГИНА
Фото: Вера ЖУРАВЛЁВА

21/09/2022 - 01:54   Classic   Концерты
Утром второго сентября 2022 года из Москвы отправились пять автобусов.

В трёх из них ехали 145 первокурсников Музыкального училища при Московской консерватории, более известного как «Мерзляковка». Путь лежал в подмосковный Клин, в Заповедник-музей П. И. Чайковского: торжественно получать студенческие билеты и проходить посвящение в музыканты.

В двух других расположился со своими инструментами Государственный академический симфонический оркестр России им. Е. Ф. Светланова.

Вот уже десять лет как Владимир Юровский (в то время худрук ГАСО), сам выпускник Мерзляковки, восстановил традицию торжеств в Клину, одной из важнейших составляющих которых стал дневной концерт ГАСО для первокурсников в концертном зале музея-заповедника. В этом году за дирижёрский пульт встал младший брат Владимира, Дмитрий Юровский.

Дмитрий Юровский
Дмитрий Юровский

Программа концерта была весьма нетривиальной. Хотя из всех программ ГАСО последнего десятилетия трудно припомнить хоть одну тривиальную. Предстояло сыграть два сочинения.

Сначала — мировая премьера Концертной симфонии для скрипки, альта и виолончели с оркестром Моцарта и Джеффри Чинга.

Перу Моцарта в этом произведении принадлежит 131 такт. Окончание первой, вторая и третья части целиком стилизованы «под Моцарта» Чингом. При этом он использовал части других неоконченных сочинений Моцарта того же периода. Основой для второй части стало Adagio для скрипки, для третьей ‑ рондо из струнного квартета. Скорее всего, Моцарт писал эту Концертную симфонию не на заказ – для заработка, а для души, и не нашел времени закончить её. В комментарии Дмитрий Юровский признался, что он сам не всегда может точно сказать, где кончается Моцарт и начинается Чинг. (За исключением каденций, которые — по мнению дирижёра, с которым нельзя не согласиться — звучат современнее.)

Могут возразить, что мировая премьера первой редакции этой симфонии уже состоялась: в Дрездене в 2018 году. Однако к концертам в Клину Джеффри Чинг не только значительно её переработал, но и специально приехал на это исполнение из Манилы. Так что можно с полным основанием назвать это событие именно мировой премьерой.

Джеффри Чинг и  участники концерта
Джеффри Чинг и участники концерта

Прозвучала Концертная симфония превосходно в обоих концертах. Особо хочу отметить, что все три солиста: скрипач Алексей Гуляницкий, альтист Антон Хлынов и виолончелист Максим Тарноруцкий, прекрасно исполнившие свои партии, даже не концертмейстеры своих групп. Смею предположить, что в мире не так уж много оркестров, которые могут выставить из групп — солистов такого высокого уровня.

Три солиста: скрипач Алексей Гуляницкий, альтист Антон Хлынов и виолончелист Максим Тарноруцкий
Три солиста: скрипач Алексей Гуляницкий, альтист Антон Хлынов и виолончелист Максим Тарноруцкий

Другим сочинением программы стала Вторая симфония П. Чайковского до минор. Судьба у этой симфонии необычная. В отличие от Четвёртой, Пятой и Шестой, которые относятся к наиболее часто исполняемым симфониям вообще, она крайне редко звучит как в России, так и за её пределами. Внятного объяснения, почему это так, я не встречал.

Работу над Второй Чайковский начал летом 1872 года, живя в Украине в разных усадьбах родственников и друзей. В августе он вернулся в Москву с эскизами симфонии, а закончил работу в середине ноября. В процессе сочинения она виделась автору лучшим его творением. Но по завершении работы он стал смотреть на новую симфонию более критично.

Впервые Вторая симфония с огромным успехом была исполнена в январе 1873 года в Москве п/у Николая Рубинштейна. Сам же автор, услышав симфонию в реальном звучании, остался недоволен и внес в партитуру ряд исправлений, с которыми её в Москве исполнил Эдуард Направник. Затем шесть лет Чайковский не давал разрешения на публикацию партитуры симфонии, всё время внося в неё коррективы. Более того, в 1879 году композитор сжёг партитуру и все материалы к ней. Таким образом, вторая редакция пропала, но композитор заново переписал все части симфонии, кроме второй. Так родилась третья редакция, которую Чайковский разрешил издать. (К тому времени он был уже автором и Четвёртой симфонии, и оперы «Евгений Онегин»). Эта редакция считается канонической и если уж исполняется, то именно она.

Вторая симфония получила название «Малороссийская», и вот почему. В трёх её частях в качестве главной темы композитор использовал три народных песни.

Начинается симфония с украинского варианта русской народной песни «Вниз по матушке, по Волге», исполняемой валторной соло (солист Валерий Жаворонков). Вторая основывается на мелодии народной песни «Пряди, моя пряха». А в четвёртой надо всем царит народная песня «Журавель».

Отсюда ясно, почему именно финальную часть симфонии с таким восторгом восприняли члены так называемой «Могучей кучки»: М. Балакирев, Ц. Кюи, А. Бородин, М. Мусоргский и Н. Римский-Корсаков. Именно в ней украинский народный колорит проявился ярче всего.

Исполнение Второй симфонии П. Чайковского Госоркестром было прекрасным. Показателен вот какой факт.

На дневном концерте, когда зал был заполнен первокурсниками, на четвёртой части симфонии все дружно отложили мобильники и, казалось, перестали дышать – так «зацепила» их музыка. Завершила концерт восторженная овация молодёжи.

При всём этом восторге, на дневном концерте у меня возникла одна довольно серьёзная претензия к литаврам. Их партия отвлекала внимание какой-то излишней сухостью. В вечернем концерте, однако, всё стало на свои места. Литавры слились с оркестром. Возможно, сказалась нехватка репетиционного времени.

Вечернее исполнение Второй симфонии можно смело назвать безупречным. И в плане оркестрового звука: с идеальным соотношением групп, и в плане выстроенности формы. Симфония прозвучала в целом масштабно и строго, в каком-то смысле даже сурово. Соблазна, подстерегающего любого исполнителя музыки Чайковского — впасть в излишний сентиментализм, — Дмитрий Юровский успешно избежал.

Название этой симфонии обязано напомнить всем: нам только и не хватает начать делить Чайковского по национальному признаку.

Браво! И ещё раз браво!

Стоит отметить, что все организационные и творческие заботы взял на себя Госоркестр им. Е. Светланова.

Владимир ОЙВИН
Фото: Сергей ГАНУС

18/09/2022 - 00:48   Classic   Концерты
Традиционный концерт «Посвящение Евгению Светланову» Государственного академического симфонического оркестра России, носящего его имя, состоялся в день его рождения 6 сентября 2022 года в Большом зале Московской консерватории. За дирижёрским пультом стоял Дмитрий Юровский.

Начну с цитаты о П. Чайковском: «Так выразить беззаветную любовь юной четы, как это пропел, а не сочинил Чайковский в «Ромео», никому из композиторов не удалось», ‑ это слова Александра Глазунова. Можно было бы привести немало восторженных отзывов об этом удивительном «шекспировском» сочинении великого русского классика. Композитор предполагал написать оперу на этот сюжет, предложенный Балакиревым, но не сложилось. Иной жанр, в котором написана увертюра-фантазия для симфонического оркестра, которая создавалась в течение одиннадцати лет и стала одним из самых любимых созданий автора и одной из самых любимых концертных пьес. Не только любимых, но наиболее часто исполняемых с момента появления в 1880 году. Не случайно после премьерного исполнения увертюры-фантазии, встреченной с огромным успехом, даже сам Стасов назвал Чайковского шестым участником «Могучей кучки». Думается, это напоминание о великой пьесе великого композитора имело смысл сейчас вспомнить. Тем более после того, как оно справедливо было включено в программу концерта в Большом зале консерватории в день рождения дирижёра Светланова, которое он очень любил и часто играл. Вообще, надо сказать, что программа концерта памяти дирижёра была составлена очень удачно, ёмко и по-светлановски. Это касается всей программы, включая специально написанную к этому дню посвященную Светланову симфонию английского композитора Бенджамина Эллина, ставшую мировой премьерой.

Дмитрий Юровский
Дмитрий Юровский

Наш светлановский оркестр, нельзя не заметить, сейчас находится в очень хорошей форме. Каждое концертное обращение к нему талантливого дирижёра Дмитрия Юровского по-настоящему радует. Так было и на этот раз: сочинения очень разные (хотя, если говорить о двух из них, ‑ они близки, условно говоря, по «программам», вернее по мысли, по психологии, философии больших и серьёзных обобщений», мощном объеме). Звук красивый, я бы сказала сочный, радующая чистота звучания, которая очаровала буквально с первых фраз Чайковского во вступлении – в теме патера Лоренцо. Радовали все оркестровые группы и краски. Радовали эмоциональной точностью, тонкой психологической достоверностью, развитием внутреннего «сюжета», где все три главные темы возникают, забирая мысли и чувства слушателя. По большому счёту они емко говорят об обреченности любви Ромео и Джульетты (уже в теме семейной вражды Монтекки и Капулетти) сурового мрака Лоренцо и, наконец, пронзительно красивой и нежной темы (вернее образа) любви обречённой в той обстановке, в которой живут юные герои. Мрачная тема постепенно «вплывает» при поддержке виолончелей, большого, объемного звучания арф, из умного вкрапления струнных, всплеска флейт, напоминающем (хотим ли мы этого или нет) ту фразу, что звучит в вокальном варианте дуэта («Милый мой Ромео»), вновь становясь в подвижном, нервном движении, правда, несколько суховатом.

ГАСО им. Светланова
ГАСО им. Светланова

Искренний интерес вызвала Первая симфонии современного английского композитора Бенджамина Эллина. Сочинение написано с посвящением Светланову и во многом даже связано с внутренним движением светлановского симфонизма, с психологическими поворотами, даже, пожалуй, и мелосом – разным, непростым, очень выразительным, в чём-то и несколько «сюжетным».

Здесь, в симфонии, в четырёх её частя, тоже дышит, трепещет человеческая дорога жизни в развитии, поступи, смене настроений и чувств – от спокойного моря, покоя природы до страсти, огня, человеческого духа и огня в нём, и страшной катастрофы, безумного душевного смятения, сложных жизненных конфликтов. А при этом в блестящем вокале баритона Сергея Лейферкуса возникает лермонтовский «Парус». Он сосредоточил в себе основное движение переживания и мысли, что заложены в логическом движении каждой из четырёх частей этого глубокого и предельно эмоционального произведения, звучащего 35 минут и ярко, убедительно прочувствованное оркестром и Дм. Юровским.

Сергей Лейферкус
Сергей Лейферкус

Интересна инструментовка, звукопись которой очень хороша. А изысканность тутти с колоколами в первой части! Духовые во второй части – «ведут» взвинченность, отчаяние, нервотрёп. Очень красивое, звучание оркестра, но, может быть, излишне громка поступь этих самых духовых, напоминая тему нашествия из Седьмой симфонии Шостаковича. Очень хороша та самая нежная мелодия темы у баритона (Парус). Но в финальной части вновь с колоколами приходит тревога, что-то крушится, ломается. Нет, это не мятежность, которая «просит бури», а тревога, даже животный страх, ужас. Так кончается ярко сыгранное оркестром это любопытное сочинение. И нельзя не сказать о «Парусе» словами автора Эллина: «Внемузыкальной основой симфонии послужило замечательное, глубокомысленное стихотворение Лермонтова «Парус» ‑ одно из любимых литературных произведений маэстро Светланова. Хотя в соответствии с текстом этой поэтической миниатюры, фоном в сюжете симфонии являются жизненные конфликты и душевное смятение, её музыка предлагает всем нам взглянуть на себя в зеркало и ощутить истинную силу нашего духа, чтобы впредь преодолевать невозможное и двигаться вперёд». Это авторское приглашение умно реализует оркестр.

Апофеозом программы прозвучали рахманиновские «Колокола», которые всегда покоряют и своей красотой, и глубиной переживания, и силой страсти, и превосходной литературной основой – стихами Эдгара По в переводе Константина Бальмонта. Кстати Бальмонт для Рахманинова не случаен. Один из его вокальных шедевров – необыкновенно популярный романс «Островок» написан на его слова.

Михаил Агафонов
Михаил Агафонов

В «Колоколах» особенно сильно и смело звучит «дорога жизни». Легкий, полётный, изящный монолог тенора «Слышишь, сани мчатся в ряд» (Михаил Агафонов), «Слышишь, к свадьбе зов святой» (сопрано Альбина Шагимуратова), мрачный, благородный Похоронный слышен звон» (баритон Сергей Лейферкус). Колокола серебряные сменяют колокола медные…Колокола, колокола, удивительная оркестровка, где по-разному звучат разные колокола. Арфы, челеста, фанфары, трубы, тромбоны в первой части очень хороши, но, к сожалению, голос тенора, что звучит в этом инструментальном «цветнике», практически не слышен. Тембр изначально красивый, он временами перекрывался и хором. Мелодия мрачнеет, возникает какой-то волшебный сон, оцепенение мечты и… начинается вторая часть – сопрановая: жаль только, что нежная лирика несколько искажается обильным вибрато и очень наряжённым вокальным верхом. Стоит отметить, что при исполнении «Колоколов» с сопрано, как это замечено не только мной, постоянно не везёт…

Альбина Шагимуратова
Альбина Шагимуратова

Вот финальная часть была превосходна! Оно и понятно, когда поёт Лейферкус. Поразительной красоты голос и сила чувств, переживаний, высокого трагизма – хочется слушать и слушать без конца, а под конец с большим чувством сказать самые высокие слова о венчающей произведение возвышенной мелодии струнных…

Да, это была удачная, достойная встреча с посвящением маэстро Евгению Светланову, встреча с его любимой музыкой, которую так глубоко и искренно любит каждый из нас.

Наталья ЛАГИНА
Фото: Вера ЖУРАВЛЕВА

01/08/2022 - 02:39   Classic   Концерты
Пятый юбилейный музыкальный open‑air фестиваль «Лето. Музыка. Музей» прошёл с 14 по 17 июля 2022 года в Новом Иерусалиме. Его организатором, как всегда, стал Государственный историко-художественный музей «Новый Иерусалим» при поддержке Московской областной филармонии. Художественный руководитель филармонии, он же президент фестиваля Максим Дунаевский.

В этом году фестиваль, отмечающий свой первый юбилей, посвящён 150-летию Александра Скрябина. В юбилейном году на фестивале выступили: Государственный академический симфонический оркестр России им. Е. Ф. Светланова, Академический симфонический оркестр Московской филармонии, Московский камерный оркестр Musica Viva, вокальный ансамбль «Intrada», дирижёры Дмитрий Юровский, Дмитрий Лисс, Александр Рудин, пианисты Николай Луганский, Полина Осетинская, Андрей Коробейников, Александр Лубянцев, Александр Ключко, Ева Геворгян, сопрано Анна Аглатова.

Я посетил те два концерта, в которых играл Госоркестр им. Светланова. Оба дня за дирижёрским пультом стоял Дмитрий Юровский. А все произведения комментировал главный редактор журнала «Музыкальная академия» Ярослав Тимофеев. Он делал это лаконично, но информативно, в манере живой и доверительной. Видеозаписи его комментариев давались на экранах по обе стороны сцены.

Дмитрий Юровский и ГАСО им. Светланова
Дмитрий Юровский и ГАСО им. Светланова

Программа 15 июля началась Первым фа-диез минорным фортепианным концертом ор. 1 Сергея Рахманинова. Солист – Николай Луганский. Он исполнил сольную партию в концерте с хорошим вкусом, сдержанно, строго и академично в лучшем смысле этого слова. Хорошо сложился ансамбль с оркестром. На бис Луганский превосходно исполнил до минорную прелюдию Рахманинова ор. 23 № 7.

Пианист Николай Луганский и ГАСО им. Светланова
Пианист Николай Луганский и ГАСО им. Светланова

Рояль фирмы «Ямаха» звучал несколько непривычно, напоминая стеклянный звук американского Стейнвея. Это, безусловно, связано с игрой на открытом воздухе. Как говорит великий пианист наших дней Григорий Соколов, игра на рояле на улице – самая стрессовая ситуация для инструмента.

Во втором отделении прозвучали Сюита из музыки оперы «Золотой петушок» Николая Римского-Корсакова и «Поэма экстаза» Александра Скрябина. Мне показалось, что в этот день маэстро Юровский в своих интерпретациях был несколько сдержан, если не сказать «скован». Если в концерте Рахманинова эту сдержанность можно было объяснить следованием солисту в строгом прочтении сочинения, то во втором отделении эта гипотеза не работала. Особенно эта «скованность» проявилась в «Поэме экстаза». Само название говорит о том, что это сочинение должно звучать не в равномерном движении, а в порывах восторга, ликования. Экстаз – это сбившееся дыхание, комок в горле. Отобразить это в музыке может rubato, применённое в допустимых рамках (а рамки определяются вкусом). Как должна ликовать труба в главной партии! Ничего этого в исполнении Дм. Юровского я не услышал. Главное – не ощутил экстаза. Быть может, это изъяны моего восприятия в тот день, но другого сказать не могу. Как говорится, «Платон мне друг, но истина дороже». Знаю, что мои оценки – не истина в последней инстанции, но они мои, и я «на том стою – и не могу иначе». При этом не исключаю возможности изменения моих оценок. Быть может, причина этой скованности была в том, что на открытом воздухе маэстро дирижировал впервые (в антракте репетиции 15 июля он сказал, что слышит оркестр совершенно иначе, нежели в зале).

А вот концерт 17 июля меня удовлетворил полностью! От позавчерашней скованности не осталось и следа. Увертюра к опере Вагнера «Нюрнбергские мейстерзингеры» прозвучала с истинно немецкой основательностью.

Сразу чувствуется немецкая школа, которую маэстро получил в Германии и от своего отца – замечательного дирижёра Михаила Юровского, недавно покинувшего наш мир. Светлая ему память! Мы помним не только его собственное творчество, но и то, что он воспитал двух замечательных сыновей, ставших достойными продолжателями дирижёрской династии в четвёртом поколении.

Настоящим подарком слушателям стала «Шехерезада» Мориса Равеля – Три поэмы для голоса с оркестром на слова Тристана Клингзора. (Это псевдоним Леона Леклера, состоящий из имён двух персонажей опер Вагнера).

Во-первых, надо поблагодарить Дм. Юровского за сам факт исполнения этого малоизвестного в России замечательного сочинения Мориса Равеля. Я, например, услышал этот триптих впервые. Во-вторых, хочу отметить, что на высоте были все: и певица, и дирижёр, и оркестр. Блистательно исполнила вокальную партию сопрано Анна Аглатова. Её интерпретация достойна называться изысканной. Партия переливалась полутонами, излучала французский шарм и показывала прекрасный вкус. Вокал Аглатовой был безукоризнен. В верхнем регистре не прозвучало ни одной визгливой ноты. Прекрасно, изысканно и очень тактично вёл аккомпанемент оркестр, ни разу не позволивший себе перекрыть певицу.

Анна Аглатова и ГАСО им. Светланова
Анна Аглатова и ГАСО им. Светланова

Финал фестиваля оказался и его высшей точкой. Ею стало блистательное исполнение Госоркестром Божественной поэмы Александра Скрябина, ор. 43.

Любопытна история создания Божественной поэмы. В 1902 году композитор начал работу над третьей симфонией, думая летом её закончить. Но на него обрушилось нервное истощение (невротическая депрессия, на языке тех лет), и он несколько недель пролежал в гамаке, запрещая себе работать. Затем Скрябин был вынужден для заработка взять заказ на фортепьянные пьесы. Вскоре его отвлекли вопросы философии. Вернувшись, наконец, к наброскам третьей симфонии, он понял, что его взгляды изменились настолько, что написанное буквально вчера уже устарело. Скрябин переформатировал наброски в симфоническую «Божественную поэму», соединяющую в себе философию, литературу и музыку.

По воззрениям Скрябина, человеческая душа в своём развитии должна пройти три этапа: борьбы, искушения наслаждением и Божественной игры. Так он и назвал три части поэмы: Борьба, Наслаждение, Божественная игра.

Партитура Божественной поэмы знаменита рекордным в истории музыки числом ремарок (553) для всех инструментов. Причём написаны они не по-итальянски, как принято, а по-французски.

Для Божественной поэмы у Дмитрия Юровского нашлись и многообразные оркестровые краски, и ритмическая свобода. Особенно ярко прозвучали всплески восторга в третьей части. В целом Поэма прозвучала величественно и возвышенно.

Качество звучания оркестра было отменным, причём всех его групп, включая медные, традиционно наиболее уязвимые для критики. Взаимопонимание оркестра и дирижёра достигло, казалось, невозможной степени. По моему впечатлению, оркестр точнейшим образом откликался на жест дирижёра. В целом «Божественная поэма» прозвучала масштабным полотном позитивного характера.

Но вот на сцену поднялись Генеральный директор музея «Новый Иерусалим» Анна Антипенко и президент фестиваля Максим Дунаевский. Они поблагодарили слушателей за участие в концертах с довольно сложными программами. (Отмечу, что на обоих концертах Госоркестра, где я присутствовал, свободных мест не было. И, что особенно приятно, большинство слушателей были местные жители. Фестивали такого уровня в провинции вносят весомый вклад в привлечение новых слушателей в залы классической музыки).

Анна Антипенко поблагодарила Министерства культуры РФ и Московской области за содействие в проведении фестиваля. Закрывая фестиваль, Максим Дунаевский высоко оценил его профессиональный уровень. Он сказал:

«Мы с радостью констатируем: это признанный международный проект, в котором уже приняли участие десятки самых именитых артистов и коллективов». Он высказал надежду, что и через год, как и предыдущие пять лет, Госоркестр им. Светланова примет участие в ежегодном фестивале «Лето.Музыка.Музей».

Владимир ОЙВИН

21/03/2022 - 15:32   Classic   Анонсы
С 23 по 27 марта 2022 года лучшие гитаристы России примут участие в XVI Московском международном фестивале «Виртуозы гитары»; он организован Московской филармонией и проходит в Концертном зале имени Чайковского. В программе фестиваля –российские премьеры, самые известные произведения гитарного репертуара, а также сочинения современных композиторов.

23 марта фестиваль по традиции откроется концертами для гитары с оркестром. Знаменитый концерт «Аранхуэс» Хоакина Родриго в этом году прозвучит в исполнении гитариста-виртуоза Антона Баранова (Санкт-Петербург). Дмитрий Илларионов (Россия) совместно с лауреатом XV Международного конкурса имени П. И. Чайковского Гайком Казазяном (скрипка) представят Двойной концерт для скрипки и гитары с оркестром Мауро Джулиани – Никиты Кошкина. Впервые на фестивале прозвучит Концертная фантазия Дмитрия Бородаева для гитары с оркестром на темы из оперы «Кармен» Жоржа Бизе в исполнении Артёма Дервоеда. Концерт-открытие состоится при участии Госоркестра России имени Е. Ф. Светланова под управлением Михаила Татарникова.

Артем Дервоед
Артем Дервоед

24 марта на фестивале будет звучать музыка Испании. Сочинения Мигеля Льобета, Франсиско Тарреги, Рехино Сайнс де ла Масы, Мануэля де Фальи и Антонио Хосе исполнят Антон Баранов, Ровшан Мамедкулиев и Артём Дервоеда Во втором отделении гитарист Роман Зорькин и аккордеонистка Татьяна Зорькина представят публике программу латиноамериканской музыки.

25 марта на сцене Зала Чайковского Артём Дервоед в дуэте с виолончелистом Александром Раммом исполнят музыку современных композиторов: Никиты Кошкина, Раффаэле Беллафронте, а также российскую премьеру сюиты Motherlands Стивена Госса. Во втором отделении Гитарный квартет имени Фраучи (Дмитрий Мурин, Сергей Урюпин, Евгений Номеровский и Дмитрий Татаркин) представит программу из сочинений Телемана, Бизе, Ассада, Россини.

27 марта на заключительном гала-концерте публика услышит сольные и ансамблевые выступления участников фестиваля, а также специальных гостей: Полины Осетинской (фортепиано), Александра Рамма (виолончель), Гайка Казазяна (скрипка) и Максима Рубцова (флейта).

Гайк Казазян
Гайк Казазян

Во второй раз художественный руководитель фестиваля Артём Дервоед представляет «Новые имена классической гитары» – абонемент из трех концертов молодых российских гитаристов в Камерном зале филармонии. 7, 17 и 25 марта молодые музыканты исполняют музыку для гитары сольно и в ансамбле с аккордеоном, контрабасом, флейтой и академическим вокалом.

«Виртуозы гитары» – ярчайшее мировое событие в сфере классической гитары, главный фестиваль академической гитарной музыки в России. За 15 лет в нем приняли участие более 50 знаменитых гитаристов, а также молодые музыканты из более чем 25 стран мира, включая Россию, США, Японию, Германию, Францию, Италию, Великобританию, Австрию, Кубу, Южную Корею, Бразилию и другие. На фестивале выступали Пепе Ромеро (Испания), Сержиу и Одаир Ассад (Бразилия), Борис Березовский (фортепиано, Россия), Дмитрий Ситковецкий (скрипка, Великобритания/США), Дмитрий Маслеев (фортепиано, Россия), Аниелло Дезидерио (Италия), Ролан Дьенс (Франция), Зоран Дукич (Хорватия), Хосе Мария Гальярдо дель Рей (Испания), Павел Штайдл (Чехия) и многие другие музыканты. Ежегодно в марте четыре концерта в Зале Чайковского представляют классическую гитару во всем многообразии репертуара: сольно, в дуэте, в камерном ансамбле, а также с симфоническим оркестром. С 2006 года фестиваль посетили более 74 000 зрителей.

20/03/2022 - 01:14   Classic   Новости
Ушёл из жизни выдающийся дирижёр Михаил Юровский.

Десять последних лет Михаил Владимирович много раз выступал с Госоркестром России имени Е. Ф. Светланова в нашей стране и за рубежом, в том числе в цикле просветительских концертов "Истории с оркестром" в Концертном зале имени П. И. Чайковского.

Михаил Юровский
Михаил Юровский

«Магия его таланта заставляла по-новому звучать давно знакомые произведения Моцарта и Малера, Мендельсона и Прокофьева, Чайковского и Шостаковича и открывала редко кем читаемые музыкальные страницы. Он был настоящим другом Госоркестра. Выражаем глубокие соболезнования родным и близким замечательного музыканта. Светлая память!», - сообщается на сайте ГАСО им. Светланова.

Михаил Юровский окончил музыкальное училище при Московской консерватории, где одним из важнейших его педагогов был Д. А. Блюм. Учился в Московской консерватории (теоретический факультет) по классам Л. М. Гинзбурга (оперно-симфоническое дирижирование) и А. И. Кандинского (теория музыки). Работал ассистентом дирижёра (Г. Н. Рождественского) Большого симфонического оркестра Всесоюзного радио и Центрального телевидения, затем дирижёром Московского музыкального театра имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко (1972—1989) Большого театра.

В 1989 году эмигрировал с семьёй в Германию. В 1989—1996 годах — дирижёр Оперы Земпера в Дрездене. В 1992—1998 годах был главным дирижёром и музыкальным руководителем Филармонического оркестра Северо-западной Германии. В 1995 году этот оркестр осуществил премьеру неоконченной оперы Дмитрия Шостаковича «Игроки», завершённой композитором Кшиштофом Мейером (1981), с участием солистов Большого театра.

С 1999 года работал в Ростокском народном театре и Филармонического оркестра Северо-западной Германии в Ростокском народном театре. Был приглашённым дирижёром Симфонического оркестра Берлинского радио и ряда других оркестров (Мальмё, Копенгаген, Оденсе, Буэнос-Айресского симфонического оркестра в театре «Колон»). В 1999—2001 годах — главный дирижёр Лейпцигского оперного театра, с 2006 года — ведущий дирижёр Симфонического оркестра Кёльнского радио.

Его сыновья — дирижёры Владимир Юровский (художественный руководитель симфонического оркестра Берлинского радио и музыкальный директор Баварской оперы) и Дмитрий Юровский (художественный руководитель Новосибирского театра оперы и балета).

Страницы